Entre classiques populaires, cinéastes émergents et nouvelles voix de la diaspora, le Festival du Film Hongkongais de Paris entend montrer que le cinéma de l'ancienne colonie britannique ne se résume ni aux films d'action des années 1980 et 1990 ni à l'univers de Wong Kar-wai. À l'occasion de sa cinquième édition, sa co-fondatrice et co-programmatrice Cheung Lok Kan revient sur les attentes parfois imprévisibles du public français, les difficultés à faire connaître les réalisateurs contemporains et l'importance des rencontres avec les artistes. Une démarche qui trouve également son prolongement dans « Trajectoires d'Asie », un programme de trois courts métrages présenté le dimanche 15 novembre 2026 au cinéma Saint-André des Arts.
Par Frédéric Ambroisine — CinéFlamme
Un cinéma qui ne peut pas vivre uniquement de sa légende
Pour une partie du public cinéphile français, le cinéma hongkongais reste indissociable d'une période particulièrement faste, celle des années 1980 et 1990. Les polars de John Woo et de Ringo Lam, les films d'arts martiaux de Tsui Hark, les comédies d'action de Jackie Chan, les productions de la Shaw Brothers ou encore les mélodrames de Wong Kar-wai ont durablement façonné l'image de cette cinématographie à l'étranger.
Cet héritage demeure essentiel. Il constitue même, pour de nombreux spectateurs, la première porte d'entrée vers un cinéma dont ils ont découvert les audaces formelles, la virtuosité technique et l'extraordinaire diversité à travers les festivals, les salles spécialisées ou les éditions vidéo.
Mais que connaît-on réellement du cinéma hongkongais produit aujourd'hui ?
Depuis plusieurs années, de nouveaux réalisateurs proposent des œuvres qui s'éloignent parfois radicalement des genres ayant assuré la réputation internationale de Hong Kong. Drames familiaux, récits intimistes, portraits de communautés marginalisées, interrogations sur l'identité, l'émigration ou la mémoire collective : ces films témoignent d'une société en transformation, tout en entretenant des liens plus ou moins visibles avec son histoire cinématographique.
C'est précisément l'un des objectifs du Festival du Film Hongkongais de Paris, fondé en 2022 par Cheung Lok Kan, puis poursuivi avec l'association culturelle CUBE [C³], créée en 2023 avec Kenneth Yeung : proposer une programmation dans laquelle les œuvres patrimoniales et les productions contemporaines ne s'opposent pas, mais se répondent.
Pour Cheung Lok Kan, la notion même de « classique » ne doit d'ailleurs pas être limitée aux titres les plus célèbres ou les plus unanimement reconnus.
Notre définition d’un « classique » est effectivement assez large. Pour nous, un classique n’est pas nécessairement le film qui a rencontré le plus grand succès ou qui est le plus célèbre, pas plus qu’il ne doit obligatoirement occuper une place reconnue dans l’histoire du cinéma. Il peut aussi s’agir d’une œuvre qui témoigne du climat social, de l’énergie créatrice, des traditions du cinéma de genre ou encore des pratiques cinématographiques propres à une époque.
Ce qui justifie aujourd’hui la redécouverte d’un film ne tient donc pas uniquement à son importance historique, mais aussi à sa capacité à soulever encore des questions, à proposer un regard nouveau ou à nous amener à reconsidérer notre perception de Hong Kong. Pour moi, projeter un classique ne consiste pas à le traiter comme une pièce de musée. Il s’agit de lui redonner vie dans le présent, afin qu’il puisse entrer dans un nouveau dialogue avec d’autres films, avec le public contemporain et avec le monde dans lequel nous vivons aujourd’hui.
Cette conception du patrimoine explique la diversité des films présentés au fil des éditions : The Secret d'Ann Hui, Ah Ying d'Allen Fong, Infernal Affairs d'Andrew Lau et Alan Mak, Victim de Ringo Lam ou encore le radical Ebola Syndrome d'Herman Yau.
Des films très différents, tant par leur esthétique que par leur rapport aux genres, mais qui participent tous, à leur manière, à l'histoire du cinéma hongkongais.
Les classiques comme portes d'entrée vers l'inconnu
Programmer des œuvres patrimoniales permet évidemment de retrouver sur grand écran des films que les spectateurs connaissent déjà, parfois depuis plusieurs décennies. Mais ces séances jouent également un rôle déterminant dans la visibilité du festival.
Un titre célèbre attire plus facilement l'attention du public et des médias. Il peut aussi inciter des spectateurs qui ne connaissent pas encore la manifestation à découvrir sa programmation.
Cheung Lok Kan observe néanmoins que la notoriété d'un film ne garantit pas nécessairement une fréquentation beaucoup plus importante.
La réputation d’un film a effectivement une influence directe sur la fréquentation, même si, dans les faits, la différence n’est pas aussi importante qu’on pourrait l’imaginer. Des films comme Infernal Affairs ou ceux de Wong Kar-wai sont déjà familiers du public, ce qui les rend naturellement plus faciles à promouvoir. Ils peuvent également attirer des spectateurs qui, autrement, n’auraient peut-être jamais entendu parler de notre festival.
Les films célèbres jouent donc un rôle essentiel pour nous. Ils ne constituent pas simplement des arguments pour vendre des billets à certaines séances : ils représentent aussi l’un des principaux moyens de faire connaître le festival. Un titre familier peut attirer l’attention des médias et du grand public, tout en rassurant les spectateurs qui découvrent notre manifestation pour la première fois. Une fois qu’ils ont découvert le festival grâce à un film reconnu, ils peuvent ensuite avoir envie d’explorer d’autres œuvres de la programmation, rarement projetées en France.
Parallèlement, nous avons constaté que de nombreux spectateurs viennent au festival précisément parce qu’ils souhaitent découvrir des films hongkongais qu’ils n’auraient normalement pas l’occasion de voir en France. Les titres célèbres peuvent inciter le public à réserver ses places à l’avance, mais les œuvres moins connues suscitent parfois des réactions encore plus enthousiastes et des discussions plus approfondies à l’issue des projections, parce que les spectateurs ont le sentiment d’avoir véritablement découvert quelque chose de nouveau.
Le défi consiste donc à transformer la curiosité suscitée par un film connu en intérêt pour des œuvres moins immédiatement identifiables.
Le festival ne cherche pas seulement à juxtaposer des classiques et des nouveautés. Il tente de créer des correspondances entre les époques, les genres et les générations de cinéastes, afin que les spectateurs puissent progressivement élargir leur connaissance du cinéma hongkongais.
Philip Yung, Ho Cheuk-tin, Lam Sum : des cinéastes encore trop méconnus en France
La question de la visibilité se pose avec une acuité particulière pour les réalisateurs contemporains.
Philip Yung, par exemple, est loin d'être un inconnu à Hong Kong. Son œuvre a déjà été remarquée localement et dans plusieurs manifestations internationales. Pourtant, sa reconnaissance auprès du grand public français demeure limitée.
Le cas de cinéastes plus jeunes, comme Ho Cheuk-tin ou Lam Sum, soulève une autre interrogation : comment présenter au public français des auteurs dont les films, les préoccupations et les références ne correspondent pas nécessairement à l'image traditionnelle du cinéma hongkongais ?
Pour Cheung Lok Kan, il ne s'agit pas de privilégier systématiquement les jeunes réalisateurs au détriment de leurs aînés, mais de faire dialoguer différentes générations.
Pour nous, la notion de « découverte » de ces cinéastes est assez intéressante. Un réalisateur comme Philip Yung n’est pas un inconnu dans le paysage du cinéma hongkongais : nous connaissons et suivons son travail depuis des années. Plutôt que d’avoir le sentiment de l’avoir découvert, nous nous demandons surtout pourquoi un cinéaste à l’œuvre aussi singulière reste si peu connu en France.
C’est précisément là que le festival peut jouer un rôle. Nous espérons contribuer à combler ce décalage de notoriété entre Hong Kong et la France, en faisant découvrir au public français des cinéastes déjà reconnus à Hong Kong, mais qui ne bénéficient pas encore de la même visibilité ici.
Quant aux réalisateurs émergents comme Ho Cheuk-tin et Lam Sum, ils incarnent les voix d’une nouvelle génération. Leurs films ne se contentent pas d’explorer de nouveaux sujets : ils reflètent également les sensibilités, les langages cinématographiques et les conditions de création propres aux jeunes cinéastes hongkongais. Nous souhaitons donc non seulement présenter leurs premiers films, mais aussi continuer à suivre et à montrer leurs œuvres à venir. Soutenir les réalisateurs émergents ne consiste pas à rechercher la nouveauté pour la nouveauté : il s’agit de permettre au public de voir comment le cinéma hongkongais évolue.
Nous ne cherchons pas à établir un équilibre entre cinéastes confirmés et émergents selon une proportion prédéfinie. La question essentielle est de savoir si leurs œuvres peuvent nourrir un dialogue pertinent. Les réalisateurs les plus établis permettent d’apporter un contexte historique, artistique et créatif, tout en donnant davantage de visibilité au festival. Les cinéastes émergents, quant à eux, nous permettent d’entrevoir le présent et les futurs possibles du cinéma hongkongais, tout en remettant parfois en question ou en réinterprétant les traditions héritées des générations précédentes.
Si nous ne programmions que des réalisateurs confirmés, le cinéma hongkongais risquerait de se retrouver figé dans une histoire considérée comme déjà achevée. Mais si nous ne présentions que des cinéastes émergents, le public pourrait manquer des repères nécessaires pour comprendre d’où viennent ces nouvelles voix. Ce que nous recherchons, ce n’est donc pas un équilibre purement numérique, mais une programmation dans laquelle les cinéastes de différentes générations peuvent s’éclairer mutuellement.
Cette démarche suppose un véritable travail d'accompagnement. Car si les amateurs de cinéma hongkongais connaissent généralement les grands noms de son âge d'or, ils ne disposent pas toujours des mêmes repères pour aborder les films contemporains.
La présence d'un réalisateur, une présentation contextualisée ou un échange après la projection peuvent alors devenir aussi importants que la sélection elle-même.
Le paradoxe du public français : quand Victim déçoit et Fly Me to the Moon surprend
L'expérience des précédentes éditions a réservé quelques surprises aux organisateurs.
Parmi les exemples les plus révélateurs figure Victim, thriller réalisé par Ringo Lam en 1999. Malgré la réputation de son réalisateur et les qualités que lui reconnaît l'équipe du festival, le film n'a pas rencontré le public espéré.
À l'inverse, Fly Me to the Moon, premier long métrage de Sasha Chuk, a suscité un intérêt supérieur aux attentes.
Le contraste est particulièrement intéressant. D'un côté, un cinéaste associé au cinéma de genre hongkongais, dont le nom reste familier à de nombreux amateurs de polars. De l'autre, une jeune réalisatrice proposant un récit familial intimiste, éloigné des codes du cinéma d'action ou du thriller.
Ce résultat invite à reconsidérer les idées reçues sur les goûts des spectateurs français.
CHEUNG LOK KAN
Je pense qu’il existe une véritable curiosité du public français pour le cinéma hongkongais contemporain, même si cette curiosité ne se traduit pas toujours automatiquement par une fréquentation des salles. Comparés aux classiques des années 1980 et 1990, les films hongkongais contemporains ne bénéficient souvent ni de noms connus ni de références immédiatement reconnaissables par les spectateurs français. Le festival doit donc apporter davantage de contexte et accompagner le public dans ses découvertes, afin de lui faire comprendre pourquoi ces films méritent son attention.
Fly Me to the Moon, de Sasha Chuk, est un exemple qui nous a véritablement surpris. Il s’agit du premier long métrage d’une jeune réalisatrice, qui ne comporte ni scènes d’action, ni intrigue criminelle, ni éléments marqués du cinéma de genre traditionnellement associé à Hong Kong par le public français. Le film raconte au contraire une histoire familiale profondément intime et sensible. Pourtant, l’intérêt qu’il a suscité et l’accueil que lui a réservé le public ont dépassé nos attentes.
La réception du film nous a montré que l’intérêt des spectateurs français pour le cinéma hongkongais ne repose pas uniquement sur la nostalgie de son âge d’or. Ils sont également prêts à découvrir le Hong Kong contemporain à travers le regard d’une nouvelle cinéaste et à s’intéresser à des questions liées à la famille, à l’identité, à l’immigration et aux transformations entre les générations.
Le programmateur revient plus précisément sur cette différence d'accueil :
CHEUNG LOK KAN
Nous avions de très grandes attentes concernant Victim de Ringo Lam, mais malheureusement, le film n’a pas rencontré le public que nous espérions. Il associe des éléments caractéristiques du cinéma de genre au style d’auteur puissant de Lam, et je pensais qu’il pourrait séduire aussi bien les amateurs de cinéma hongkongais que les spectateurs français intéressés par les polars et les thrillers psychologiques.
Son accueil nous a toutefois fait prendre conscience que la réputation d’un réalisateur auprès des cinéphiles ne se traduit pas nécessairement par une forte fréquentation lorsqu’il s’agit de l’un de ses films les moins connus. Si le titre lui-même est peu familier du public français et que le film ne se laisse pas facilement enfermer dans un genre précis, il faut trouver un angle beaucoup plus clair pour le présenter aux spectateurs.
À l’inverse, Fly Me to the Moon de Sasha Chuk ne semblait pas forcément, sur le papier, être le choix le plus immédiatement accessible. C’était un premier long métrage signé par une jeune réalisatrice, sans vedettes connues du public français ni éléments marqués du cinéma de genre, avec une narration intimiste et tout en retenue. Pourtant, l’intérêt qu’il a suscité et les réactions du public ont dépassé nos attentes.
Ces deux expériences nous ont rappelé qu’il n’est pas toujours possible de prévoir les choix du public en se fondant sur la réputation d’un cinéaste ou sur le genre auquel appartient un film. Parfois, une œuvre qui semble avoir tous les atouts pour réussir ne trouve pas son public à un moment donné, tandis qu’un film plus discret, apparemment plus difficile à promouvoir, parvient à établir un lien émotionnel direct avec les spectateurs. Cette part d’imprévisibilité constitue l’un des aspects les plus difficiles, mais aussi les plus fascinants, du travail de programmation d’un festival.
Ces observations montrent que l'intérêt pour le cinéma hongkongais ne repose pas exclusivement sur la nostalgie.
Un film contemporain, même dépourvu de vedettes internationales ou d'éléments spectaculaires, peut toucher les spectateurs par ses personnages, son regard sur la société ou les expériences humaines qu'il met en scène.
À condition, bien sûr, que ces œuvres puissent être découvertes dans de bonnes conditions et bénéficier d'une visibilité suffisante.
Un festival ne s'arrête pas au générique de fin
Au-delà des projections, le Festival du Film Hongkongais de Paris accorde une place importante aux discussions, débats et rencontres avec les professionnels du cinéma.
Au fil des éditions, ces événements ont notamment permis au public français d'échanger avec Anthony Wong ou Philip Yung, parfois à distance lorsque les artistes ne pouvaient pas se déplacer.
Ces rencontres ne constituent pas de simples compléments promotionnels. Elles permettent de replacer les œuvres dans leur contexte culturel, social ou historique, tout en donnant aux cinéastes l'occasion de découvrir la manière dont leurs films sont perçus à l'étranger.
CHEUNG LOK KAN
Oui, c’est très important pour nous. À mes yeux, un film ne s’arrête pas au générique de fin. Lorsqu’un film hongkongais est projeté en France, il entre dans un contexte culturel différent. Les spectateurs français peuvent l’interpréter à travers des expériences très différentes.
Les discussions, les masterclasses et les rencontres avec le public permettent de mieux comprendre le processus de création, l’histoire et le contexte social qui entourent un film. Parallèlement, les questions des spectateurs peuvent aussi amener les cinéastes à porter un regard nouveau sur leur propre travail. Il ne s’agit donc pas simplement d’expliquer Hong Kong au public français, mais bien de favoriser un échange entre les deux parties.
C’est particulièrement important pour les réalisateurs hongkongais dont les films ne sont jamais sortis en France. Notre festival représente parfois l’une des rares occasions qu’ils ont de rencontrer le public français, voire la seule. À travers les questions et les réactions des spectateurs, ils peuvent découvrir comment leurs films sont perçus par un public issu d’une autre culture.
Lorsque les cinéastes ne peuvent pas venir à Paris, les rencontres en visioconférence restent également précieuses. Le public peut ainsi les entendre s’exprimer directement, et les réalisateurs peuvent échanger avec les spectateurs français, plutôt que de nous laisser tout expliquer à leur place.
Pour les jeunes réalisateurs hongkongais, voir leurs films projetés à Paris peut également constituer une expérience marquante.
Cheung Lok Kan se souvient notamment de l'enthousiasme de Ho Cheuk-tin lorsqu'il a découvert que son film Over My Dead Body figurait sur le même dépliant que Bio Zombie, un classique qu'il admire.
Il évoque aussi la réaction de plusieurs réalisateurs de courts métrages lors du festival La Voix Diaspora en 2026, particulièrement heureux de voir leurs œuvres présentées aux côtés de The Grandmaster. Certains avaient même demandé des exemplaires du programme en souvenir.
Le festival ne se contente donc pas de faire découvrir des films aux spectateurs français : il contribue aussi à créer des liens entre les professionnels de différentes générations et de différents horizons.
Les courts métrages, un nouveau terrain de découverte
Cette volonté d'accompagner les nouvelles voix s'est également traduite par une évolution de la programmation.
En juin 2026, le festival a lancé son premier appel à courts métrages, ouvrant davantage ses portes aux réalisateurs indépendants désireux de présenter leurs œuvres à Paris.
CHEUNG LOK KAN
Oui. Cela se produit de plus en plus souvent depuis que nous avons lancé notre premier appel à candidatures pour les courts métrages, en juin 2026. Plusieurs réalisateurs de courts métrages nous contactent désormais directement pour nous proposer leurs œuvres. Il arrive également que des sociétés de production ou de distribution hongkongaises avec lesquelles nous avons déjà collaboré nous recommandent des films.
Le court métrage représente un espace de création particulièrement intéressant pour les cinéastes émergents. Il permet d'aborder des sujets personnels, d'expérimenter des formes narratives et de développer des projets qui ne trouvent pas nécessairement leur place dans les circuits traditionnels de production et de distribution.
Il offre aussi aux festivals la possibilité de présenter des œuvres rarement accessibles au public français, en particulier lorsqu'elles circulent essentiellement dans les festivals internationaux ou au sein de communautés artistiques indépendantes. Cette ouverture prend une dimension particulière avec « Trajectoires d'Asie », un programme réunissant trois films réalisés entre 2023 et 2025, dont les récits traversent Hong Kong, Singapour, le Canada et le Japon.
« Trajectoires d'Asie » : identité, mémoire et transmission
Présenté le dimanche 15 novembre 2026 au cinéma Saint-André des Arts, le programme « Trajectoires d'Asie » rassemble trois œuvres qui interrogent, chacune à leur manière, les liens entre identité, mémoire familiale, déplacement et transmission. Du portrait documentaire à l'enquête autobiographique, jusqu'à la fiction dramatique, les films sélectionnés témoignent de préoccupations qui dépassent largement les frontières de Hong Kong.
Leurs personnages évoluent entre plusieurs pays, plusieurs cultures ou plusieurs générations. Certains cherchent à comprendre leur histoire familiale, d'autres tentent de concilier différentes identités ou de surmonter les traumatismes du passé.
Wen-jin (2025) — Roy Tsai
Documentaire performatif · 46 min 34 s · Sous-titres français
Tout commence par une recherche sur Google. Sept ans auparavant, le réalisateur hongkongais Roy Tsai découvre par hasard l'existence de Blood and Tears of the Overseas Chinese, un film réalisé après la Seconde Guerre mondiale par son grand-père, qu'il n'a jamais connu.
Produit à Singapour et considéré comme l'un des premiers films sino-malaisiens de l'après-guerre, ce long métrage avait progressivement disparu de la mémoire familiale avant de réapparaître grâce à sa restauration numérique. Cette découverte devient le point de départ de Wen-jin (問津), une enquête dans laquelle le cinéaste tente de reconstituer une histoire familiale fragmentée, entre souvenirs contradictoires, archives et silences.
En retrouvant les deux familles de son grand-père, Roy Tsai se confronte à des mémoires qui ne coïncident pas toujours. Le film interroge ainsi la manière dont les histoires personnelles se transmettent, se transforment ou disparaissent au fil des générations.
De Singapour à Hong Kong, jusqu'au Canada où vit aujourd'hui le réalisateur, Wen-jin explore également le rapport entre migration et héritage culturel. Avec plus de vingt années d'expérience dans le montage et la postproduction, Roy Tsai aborde ici le cinéma comme un outil de recherche et de reconstruction de la mémoire.
La présence de ce film dans le programme fait écho à une autre question essentielle : que signifie restaurer une œuvre cinématographique lorsque ceux qui en héritent n'en possèdent plus nécessairement les mêmes souvenirs ?
Hong Kong Heels (2025) — Elias Fritz et Carlos Laux y Silió
Documentaire · 21 min · Sous-titres français
Le jour, Pan est le fils d'une famille hongkongaise traditionnelle. La nuit, il devient Pansze Diva, drag queen de la scène underground de Hong Kong. C'est pourtant à plusieurs milliers de kilomètres de sa ville natale que commence cette transformation. Lors d'un séjour en Irlande, Pan fait son coming out pendant la Pride de Dublin. Il découvre alors les espaces queer et l'univers du drag, avant de revenir à Hong Kong pour développer son propre personnage.
Réalisé par Elias Fritz et Carlos Laux y Silió, Hong Kong Heels suit ce parcours entre affirmation de soi, performance artistique et relations familiales. Le film s'intéresse particulièrement à la difficulté de faire coexister différentes identités dans un environnement où les attentes sociales et familiales peuvent entrer en contradiction avec les aspirations individuelles.
Lorsqu'un décès bouleverse la famille de Pan, cette quête d'acceptation prend une dimension plus intime encore. Au-delà du portrait d'une drag queen, Hong Kong Heels évoque ainsi les relations entre générations, la nécessité de se construire librement et le désir d'être compris par ses proches.
Talk to Me (2023) — Jimmy Ming Shum
Fiction dramatique · 15 min 27 s · Sous-titres français
À Tokyo, Yamamoto Fumiko, 82 ans, survivante du bombardement d'Hiroshima, mène une existence solitaire. Un jour, elle reçoit l'appel commercial d'un homme nommé Sato Yoshitaka. Ce qui devait être une conversation ordinaire se transforme progressivement en un échange inattendu entre deux personnes marquées par des catastrophes différentes.
Yoshitaka porte lui aussi les séquelles d'un traumatisme : celui de Fukushima, auquel s'ajoutent la perte de son frère et des blessures psychologiques persistantes. À mesure que la conversation progresse, Fumiko commence à évoquer des souvenirs d'Hiroshima longtemps gardés pour elle.
À travers ce dialogue téléphonique, le réalisateur hongkongais Jimmy Ming Shum rapproche deux expériences historiques sans chercher à les confondre. Le film s'intéresse moins aux catastrophes elles-mêmes qu'à leurs conséquences humaines : la solitude, le silence, la mémoire et la difficulté de communiquer ce que l'on a vécu.
Réalisateur, photographe et producteur installé à Tokyo, Jimmy Ming Shum a étudié au Pratt Institute de New York. Talk to Me a notamment été finaliste du Prime Video Take One Award au Festival international du film de Tokyo en 2023, avant de recevoir plusieurs distinctions dans d'autres manifestations internationales.
Une rencontre avec les réalisateurs après la projection
La séance de « Trajectoires d'Asie » sera suivie d'un échange avec les cinéastes associés aux trois films : Elias Fritz et Carlos Laux y Silió pour Hong Kong Heels, Roy Tsai pour Wen-jin et Jimmy Ming Shum pour Talk to Me, sous réserve de confirmation et de modification de leur présence.
Cette rencontre prolongera les thèmes abordés dans les œuvres : identité, mémoire, famille, déplacement et transmission. Elle permettra également au public français de découvrir les parcours de cinéastes dont les expériences personnelles et professionnelles se déploient bien au-delà de Hong Kong.
Une démarche qui rejoint la conception défendue par Cheung Lok Kan depuis la création du festival : faire du cinéma un espace de dialogue entre les artistes, les spectateurs et les cultures.
Dans un paysage cinématographique hongkongais en constante évolution, ces échanges constituent peut-être l'un des moyens les plus efficaces de dépasser les images et les références héritées du passé.
Car si le cinéma hongkongais possède une histoire exceptionnelle, son avenir se construit aussi à travers des œuvres plus discrètes, des formes nouvelles et des récits qui ne correspondent pas toujours aux attentes habituelles du public. Encore faut-il leur donner l'occasion d'être vus.
Informations pratiques
Trajectoires d'Asie — Programme de courts métrages
Wen-jin · Hong Kong Heels · Talk to Me
Dimanche 15 novembre 2026, à 14h15
Cinéma Saint-André des Arts, 30 rue Saint-André-des-Arts, 75006 Paris
Projection suivie d'une rencontre avec les réalisateurs, sous réserve de confirmation de leur présence.